Las 10 mejores bandas de rock de todos los tiempos

Al abordar un proyecto tan audaz, resbaladizo y plagado de peligros para el diagnóstico como “las 10 mejores bandas de rock” nunca,”Uno puede acobardarse en anticipación del monzón de desacuerdo que seguramente vendrá y cargar el paquete con toda clase de equivocaciones weaselly, o uno puede pavonearse felizmente seguro en la justicia universal del juicio de uno. Siendo estadounidense, elijo este último.

1. Los Beatles

Los Beatles son indiscutiblemente la mejor y más importante banda en la historia del rock, así como la historia más convincente. Casi milagrosamente, encarnaban el vértice de la forma artística, comercial, cultural y espiritualmente en el momento adecuado, los tumultuosos años 60, cuando la música tenía el poder de literalmente cambiar el mundo (o al menos dar la impresión de que podía, que puede ser lo mismo). Los Beatles son el arquetipo: no hay un término en el idioma análogo a “Beatlemania”.

Tres muchachos de Liverpool – John Lennon, Paul McCartney y George Harrison – se reunieron en una época de gran fluidez cultural en 1960 (con los músicos Stu Sutcliffe y Pete Best), absorbieron y recapitularon el rock ‘n’ roll estadounidense y la historia pop británica en ese punto, endurecido en una unidad afilada jugando cinco sets alimentados con anfetaminas una noche en la dura ciudad portuaria de Hamburgo, Alemania, regresó a Liverpool, encontró a su gerente ideal en Brian Epstein y productor ideal en George Martin, agregó la última pieza de el enigma cuando Ringo Starr reemplazó a Best en la batería y lanzó su primer sencillo en el Reino Unido, “Love Me Do / PS” Te amo “, todo en octubre de 1962.

Su segundo sencillo, “Please Please Me”, seguido de los éxitos británicos “From Me to You”, “She Loves You”, “I Want a Hold Your Hand”, “Can not Buy Me Love” (todo de Lennon / Originales de McCartney), y la grata imagen, ingenio y encanto del grupo, solidificaron el control delirante de los Fab Four sobre su tierra natal en 1963.

Pero fue cuando el grupo llegó a los EE. UU. En febrero de 1964 que se manifestó todo el alcance de la Beatlemanía. Su actuación de cinco canciones que induce al pandemonio en el programa de Ed Sullivan el 9 de febrero es uno de los eventos mediáticos más importantes de los 20th siglo. Tenía cinco años en ese momento – mis padres me dicen que lo vi con ellos, pero sinceramente no recuerdo. Sin embargo, sí recuerdo que las chicas de al lado, cuatro y seis años mayores que yo, voltearon esa apariencia y me arrastraron a su locura vertiginosa poco después. Me encantó “I Want to Hold Your Hand”, el primer número 1 de los Beatles en los EE. UU. (Tenían 19 más, sigue siendo el disco), más que cualquier otra canción que haya escuchado, o que casi seguro volveré a escuchar, con una intensidad consumidora que ahora solo puedo tocar como recuerdo.

Los Beatles generaron una intensidad de alegría que abofeteó a decenas de millones de personas en la cara con la conciencia de que la felicidad y la exuberancia no solo eran posibles, sino que en su presencia, inevitables. Generaron una energía que se amplificó un millón de veces y se les devolvió en una ola ensordecedora de histeria agradecida..

Un resultado parcial de esa histeria ensordecedora fue que la banda se frustró con sus conciertos y dejó de tocar en vivo después de un show de San Francisco el 29 de agosto de 1966. Sin embargo, incluso esta frustración dio sus frutos, mientras los cuatro músicos, ayudados casi incalculablemente por el productor Martin, convirtió sus energías creativas en el estudio de grabación, produciendo álbumes cada vez más sofisticados y logrados “Rubber Soul” (1965, “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “You Will not See Me”, “Nowhere Man”, “Michelle “),” Revolver “(1966,” Taxman “de Harrison,” Eleanor Rigby “,” Here, There and Everywhere “,” Yellow Submarine “,” Good Day Sunshine “,” And Your Bird Can Sing “), el majestuoso y epocal “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band “(1967, canción principal,” Con un poco de ayuda de mis amigos “,” Lucy in the Sky with Diamonds “,” Cuando tengo sesenta y cuatro “,” Un día en la vida “).

Aunque la fuerza centrífuga comenzó a pasar factura, aún lograron producir tres obras maestras más del álbum, el álbum doble “The Beatles” (1968, también conocido como “The White Album”, con “Back In the USSR”, “Dear Prudence”). Ob-La-Di Ob-La-Da, “Harrison” mientras My Guitar Gently Weeps “,” Blackbird “,” Cumpleaños “,” Helter Skelter “),” Let It Be “(grabado a principios de 1969 pero no lanzado hasta 1970 , con la canción principal, “Two Of Us”, “Across the Universe”, “I’ve Got a Feeling”, “The Long and Winding Road” y “Get Back”), y el punto culminante apropiado “Abbey Road” ( 1969, “Here comes the sun” y “Something” de Harrison, “Octopus’s Garden” de Ringo, “Come Together”, “Martillo de plata de Maxwell”, “I Want You”, “Ella entró por la ventana del baño”).

Hicieron una promesa increíble y en lugar de dar marcha atrás en esa promesa, la entregaron, la entregaron y la entregaron durante ocho años hasta que las implicaciones de la promesa finalmente llegaron: estaban mirando las fauces de una bestia insaciable y voraz que no era menos bestial. porque sonrió, saludó y les dio dinero. Los Beatles finalmente sufrieron una incapacidad colectiva para pretender que la bestia no era una bestia, y en 1970 se separaron y volvieron a ser humanos.

Beatlemania redux

Una pequeña pero significativa parte de la magia de los Beatles regresó en 1986 con el lanzamiento de la película adolescente clásica de John Hughes “Ferris Bueller’s Day Off”, en la que el personaje principal de Matthew Broderick sincroniza el clásico de los Beatles “Twist and Shout” (irónicamente una canción que no escribieron) desde la parte superior de una carroza en un desfile en el centro de Chicago.

John Lennon cantó “Twist and Shout” como si las palabras fueran veneno corrosivo y alegre, que su única esperanza de supervivencia era expulsarlos con toda la vehemencia que su cuerpo poseído por el ritmo podía reunir, y Ferris también lo hacía en la escena. Las respuestas de Paul y George coincidían con el celo de John al final de cada estrofa con su delirante “Ooohs”. Se estaban divirtiendo tanto que esta canción parecía ser lo más importante en sus vidas en ese momento. Los Beatles conocían las increíbles responsabilidades del placer.

Los labios de Ferris lujuriosamente, las frauleínas en el flotador se balancean, tiemblan y rebotan sobre Ferris como electrones, los miles en la multitud cantan desde las fosas de sus pelvis. Chicago se mezcla como una sola, recreando la increíble hazaña de la vida real de los Beatles de una locura unificadora de masas que cambió la vida de las personas por un tiempo.

Cuando vi la película en el cine en el ’86, la gente se puso de pie y bailó en los pasillos. ¿Cómo no podrían? El segmento “Twist and Shout” fue el momento musical más emocionante y alegre en una película desde que los Beatles tuvieron “A Hard Day’s Night” (1964), y fue el clímax perfecto para las hazañas cinematográficas de Ferris Bueller..

El público era tan melancólico para Beatlemania que “Twist and Shout” regresó a las listas durante 15 semanas ese año, un breve pero dulce recordatorio de lo real.

2. Los Rolling Stones

Cuando los Beatles dejaron de existir en 1970, el título de “The World’s Greatest Rock ‘n’ Roll Band” cayó con muy poca disputa entre los Rolling Stones, quienes para entonces estaban en el medio de un pico creativo tan maravilloso que podrían haber desafiado los Fab Four para el título de todos modos. Es un título que los “anti-Beatles” de antaño no han abandonado desde entonces. Los Stones no solo han sido la mejor banda de rock del mundo durante más de 30 años, sino que han sido una unidad de rock and roll funcional durante más de 40, la carrera más larga de la historia..

Los amigos de la adolescencia Mick Jagger y Keith Richards, junto con el guitarrista Brian Jones y el pianista Ian Stewart, formaron la primera versión de los Rollin ‘Stones en 1962, y con la sección de ritmo crack de Charlie Watts en la batería y Bill Wyman en el bajo pronto a bordo, lo rompieron en una residencia de ocho meses en el Crawdaddy Club de Londres poco después. Un joven y ambicioso Andrew Loog Oldham los vio allí: 

“Los vi el 23 de abril de 1963 y luego supe para qué había estado entrenando”, dijo en una entrevista telefónica desde su casa en Colombia. “Lo principal que tenían era pasión, que les ha servido hasta el día de hoy”, continuó Oldham. El primer acto de Oldham como manager fue degradar a Stewart del acto en vivo de la banda por no mantener su imagen de un Stones delgado, mezquino y sexy (Stewart era el manager de la banda y grabó con ellos hasta su muerte en 1985).

En ese momento los Rollin ‘Stones (llamados así por la canción de Muddy Waters, Oldham agregó la “g”) eran una banda de covers de R & B, pero su carrera en el Crawdaddy había generado mucha atención, y con los Beatles en camino no había nadie quería perder la próxima gran cosa. Oldham rápidamente consiguió que firmaran con Decca Records, que todavía estaba resentido por haber rechazado a los Beatles..

En junio del ’63, el primer sencillo de los Stones, una versión de “Come On” de Chuck Berry, llegó al número 21 en el Reino Unido. El seguimiento en noviembre fue una versión del temido “I Wanna Be Your Man” de los Beatles, que ascendió al número 12 del Reino Unido. En febrero de 1964, llegaron al Top 10 del Reino Unido con “Not Fade Away” de Buddy Holly, “Que también acabó con los Top 50 en los EE. UU. – los chicos malos estaban en camino.

Oldham se separó de la banda en medio de la locura y el frenesí mediático de los arrestos por drogas en 1967, pero él y la banda generaron música asombrosa durante los dos años transcurridos entre la “satisfacción” lasciva, considerada por muchos como la mejor canción de rock jamás lanzada en mayo. 1965, y la exitosa compilación “Flowers”, lanzada en julio de 1967. Incluido fue el narcisismo increíblemente consciente de “Get Off Of My Cloud”, gentileza de la música de cámara y la vulnerabilidad de “As Tears Go By”, la modernidad urbana desconcertada de “19th Ataque de nervios”; y el primer álbum clásico de los Stones, “Aftermath”, con la canción simulada y empática “Mother’s Little Helper”, profundamente groovy y misógino “Under My Thumb” y “Out Of Time”, “Lady Jane”, y exótica , turbulento “Píntalo de negro”.

Luego vino el clásico de los Stones de finales de los 60 y comienzos de los 70 entre Beggar’s Banquet y Exile On Main Street, posiblemente la carrera más productiva de la historia del rock, cuando los Stones convirtieron una alquimia inigualable del rock and roll. , blues y country en algo oscuro, peligroso y profundamente duradero.

Los arrestos de 1967 parecieron estimular a Jagger y Richards a otro nivel creativo, pero Brian Jones parecía derrotado y se hundía rápidamente. Estaba ausente del diabólico y rítmico single “Jumping Jack Flash”. Apenas trabajó en el excepcional “bluesy Beggar’s Banquet” de 1968 (seductor, percusivo y punzante “Sympathy For the Devil”, el guitarrista “Street Fighting Man” y “Stray Cat Blues”), estaba fuera del grupo por Junio ​​de 1969, y muerto en el fondo de su piscina menos de un mes después.

El joven Mick Taylor se unió como reemplazo de Jones, y sus fuertes pistas blues fueron la hoja perfecta para el trabajo rítmico de Richards, y el sonido y las imágenes se volvieron más oscuros y más intensos aún en “Let it Bleed” (el apocalipsis del sexo y la muerte “Gimme” Refugio, “angustia angustiada de Robert Johnson” Love In Vain “, misterioso” Monkey Man “, la camaradería de drogas de la pista del título, poderoso y asesino” Midnight Rambler “, y la coda oblicua y edificante” No siempre puedes conseguir lo que tú ” Querer”).

El baile de la banda con el diablo dio un sabor amargo cuando ofrecieron un concierto gratuito en Altamont Speedway a las afueras de San Francisco el 6 de diciembre de 1969 (solo tres meses después de Woodstock) donde Hell’s Angels asesinó a un fanático a la vista todo el montaje del mal juju fue capturado para la posteridad en la película “Gimme Shelter”).

“Get Yer Ya-Ya’s Out” (1970), uno de los álbumes de rock en vivo más satisfactorios de la historia, se centró en sus éxitos del 68-69, incluido un extenso y definitivo “Midnight Rambler”, y mostró cuán integral se había convertido Mick Taylor. al rugiente sonido en vivo de los Stones.

El primer lanzamiento de la banda en sus propios Rolling Stones Records fue el desaliñado y brillante “Sticky Fingers” (1971), con la infame portada de Andy Warhol. Taylor volvió a brillar y la composición de Jagger / Richards continuó en el más alto nivel: fanfarrón de “Brown Sugar”, quejoso “Wild Horses”, jazzy grooving “Can not You Hear Me Knocking”, “Rope”, escalofriante “Sister Morphine”. “Y countrified” Flores muertas “.

The Stones han sido una banda diferente desde entonces: Mick Taylor se fue en 1974, reemplazado por el incondicional Ronnie Wood. Han lanzado un par de grandes álbumes: “Some Girls” (1978), su respuesta aproximada a los desafíos del disco y el punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respetable”, “Beast of Burden”, “Shattered” ), y “Tattoo You” (1981, el álbum que más álbumes ha grabado hasta la fecha: nueve semanas en el n. ° 1) con destacados “Start Me Up”, “Hang Fire” y “Waiting On a Friend”. También han lanzado mucho de álbumes simplemente buenos: los ’70 fueron mejores que los ’80, que fueron mejores que los ’90.

Pero se han esforzado, tomando descansos pero centrándose cada vez más en llevar la música a los fanáticos en vivo, revitalizándose particularmente con el álbum “Steel Wheels” y la gira mundial en 1989. Tomé esa gira en Los Ángeles y llegaron los Stones. con un aire de ansiosa seguridad. Todos los elementos hicieron clic: las guitarras se cortaron y se cortaron, la sección rítmica se bloqueó y salió, las canciones eran una mezcla perfecta de lo viejo y lo nuevo, la banda era muy entusiasta.

Jagger no exhibió una gota de actitud de la Estrella Fresca: trabajó, habló, cantó con energía y atención al detalle. Obviamente estaba feliz de que le gustaran de nuevo. El alegre alivio colectivo del estadio animó a Jagger a la vulnerabilidad infantil:

“¿Te gustan las canciones nuevas?”, Casi suplicaba a la multitud.

“¡Los amamos, Mick!”

“¡Te amamos!”

“¡Sí!”

Tal vez Mick recordó su cita de los años 70, “A veces prefiero estar en el escenario, a veces prefiero el orgasmo”. Esa noche, estoy bastante seguro de que el escenario ganó.

En la década de 1990, la banda recibió un asombroso $ 750 millones de tres giras. Cuando los vi en vivo desde el Madison Square Garden en HBO a principios del año pasado, mis ojos confirmaron que estos chicos rudos y demacrados tienen alrededor de 60 años, pero cuando las cámaras retrocedieron 30 años se desvanecieron y la magia fue real y creció en intensidad. la noche se puso.

¡Qué gran espectáculo! Los Stones son una mejor banda en vivo ahora que en los años 70 cuando sus vidas, cuerpos y mentes eran un atolladero de sexo, drogas y alcohol. La edad los ha enfocado, pero les quitó muy poca de su energía maníaca, y Keith Richards sigue siendo el mejor guitarrista rítmico que haya existido..

Larga vida al rock ‘n’ roll – Larga vida a los Rolling Stones!

3. U2

U2 de Irlanda es la banda más importante e influyente de la era post-punk, uniéndose al rock de guitarra, la independencia punk, la espiritualidad celta, las técnicas de producción innovadoras y el experimentalismo electrónico, todos unidos por la visión y el carisma trascendentes del cantante / letrista Bono.

U2 – Bono (Paul Hewson), el guitarrista The Edge (Dave Evans), el bajista Adam Clayton y el baterista Larry Mullen – se formaron en Dublín en 1976 como banda de covers de los Beatles y los Stones mientras los jugadores todavía estaban en la escuela secundaria. En 1980 firmaron con Island Records y lanzaron su espectacular primer álbum, “Boy”, producido por Steve Lillywhite..

En preparación para “The Unforgettable Fire” de 1984, el productor Brian Eno tuvo una larga conversación con Bono, como luego le dijo a Q Magazine. “Dije: ‘Mira, si trabajo contigo, querré cambiar muchas cosas que haces, porque no estoy interesado en los registros como un documento de una banda de rock tocando en el escenario, estoy más interesado en la pintura imágenes. Quiero crear un paisaje dentro del cual esta música suceda. ‘Y Bono dijo,’ Exactamente, eso es lo que queremos también ‘”.

Los resultados de este fatídico cambio de dirección fueron las producciones de Eno de los estándares U2 “The Unforgettable Fire” (incluyendo “Bad”, “Pride In the Name of Love”); Álbum del año de Grammy de 1987, el personal y universal “The Joshua Tree”, que hizo que las superestrellas de la banda (con “Donde las calles no tienen nombre”, “Todavía no he encontrado lo que estoy buscando”, “Con O sin ti “y” One Tree Hill “); 1991 “Achtung Baby”, un movimiento brillante y emocionalmente oscuro hacia la electrónica (“Incluso mejor que lo real”, “Uno”, “Hasta el fin del mundo”, “¿Quién va a montar sus caballos salvajes” y “Misteriosas maneras” ); y “Zooropa”, más profundo en música y electrónica de baile europeo (’93, con la canción principal, “Numb”, “Lemon”, “Stay”). Wow, qué viaje.

U2 era la principal banda de rock de los 80 porque sus miembros, como quizás solo Bruce Springsteen en los Estados Unidos, aún creían que el rock ‘n’ roll podía salvar al mundo, y tenían el talento para hacer que esa noción no pareciera irremediablemente ingenua..

Esta seriedad y voluntad de asumir la más pesada de las responsabilidades llevó a elevadas alturas de logros y crecientes demandas psíquicas y artísticas que eventualmente llevaron a la banda a adoptar la ironía como su medio básico de expresión durante un tiempo en los ’90.

Todas las bandas quieren ser geniales, y en la década de los 80 U2 casi por sí solo hizo que la sinceridad fuera genial, pero fue un trabajo duro e implacable. Después de las guitarras y el idealismo de los años 80, los años 90 vieron el frío diáfano de la electrónica y la ironía, que era literal y metafóricamente genial, pero al final no es lo que la banda trata de.

“Todo lo que no puedes dejar atrás” (’00) regresó a lo que la banda es sobre, y es el seguimiento sónico y espiritual de “The Joshua Tree”, el álbum más idealista, espiritual y melódicamente consistente de la banda.

Los restos de las incursiones de la banda en la electrónica sazonaron el álbum (especialmente el impresionista “Nueva York”), pero la guitarra de Edge volvió al centro de la escena, donde su estilo único toca, aunque nunca eclipsa las canciones, cada una de las cuales está bendecida con una melodía memorable.

Tras el lanzamiento extático de la canción de apertura “Beautiful Day”, la segunda canción “Stuck In a Moment You Can not Get Out Of” afirma una noción aparentemente modesta pero profundamente profunda, seria e idealista:

“Solo estoy tratando de encontrar una melodía decente

Una canción que puedo cantar en mi propia compañía “

Lo han encontrado y más. U2 es ahora una banda madura, segura de sí misma y aún asombrosa que sabe que no tiene todas las respuestas, pero no tiene miedo de seguir haciendo las preguntas correctas.

4. Los Grateful Dead

Hoy salí a la calle / Vi una pegatina de Deadhead en una Cadillac / Una pequeña voz dentro de mi cabeza / Dijo ‘no mires atrás, nunca puedes mirar hacia atrás’ “. Don Henley, “Muchachos del verano”

Cuando Henley escribió “The Boys of Summer” en 1984, vio la pegatina del lujoso acero de Detroit como una contradicción de valores: una colisión simbólica de materia / antimateria que borró el significado de ambos. Pero Henley no se dio cuenta de que su símbolo de un pasado muerto era en realidad un símbolo muy poderoso del presente y del futuro.

La guerra de Vietnam fue el polarizador perfecto entre la cultura juvenil y adulta: no tenía un objetivo claro, estaba muy lejos, costaba muchas vidas, y era involuntario: los viejos tomaban las decisiones, los jóvenes morían. Después de que la guerra fue misericordiosamente asesinada a mediados de los años 70, la nación se dio cuenta de que había odiado la confusión interna más de lo que odiaba al enemigo externo: la sangre es más espesa que la ideología..

Los muertos se convirtieron el símbolo de esta mezcla de ideologías hasta la muerte de Jerry García en 1995: una máquina de hacer dinero bien engrasada ($ 50 millones al año en ingresos de conciertos) que vendía la paz, el amor y la comprensión a una legión de admiradores divididos internamente. The Dead vendió todos los espectáculos porque un show de Dead era un lugar socialmente aceptable para tomarse un descanso temporal de la carrera de ratas y probar los valores hippies de los 60 sin tener que vivirlos. Las personas que no consumían drogas en otras ocasiones se entregan y bailan como duendes a los Muertos y sus viajes musicales ligeros, rítmicos, agradables, a veces inspirados, extendidos.

En ese frente musical, “Very Best of the Grateful Dead” de Rhino es una excelente representación de la mezcla ecléctica de la banda de country, folk, rock psicodélico, R & B, jazz y ritmos afrocaribeños en clásicos como “Friend of the Devil”. Sugar Magnolia, “Ripple”, “Truckin”, “Uncle John’s Band”, “Casey Jones”, “Franklin’s Tower” y su single “Touch of Grey”.

“Grateful Dead” (1971) es mi serie favorita en vivo de la banda: rueda junto con “Bertha”, “Mama Tried”, “Playing in the Band”, “Johnny B. Goode”, “Not Fade Away” y “Not Fade Away”. Goin ‘Down the Road Feeling Bad “, mostrando gran energía y versatilidad.

El éxito de The Dead inspiró todo el movimiento Jam Band, que continúa con su linaje musical y cultural hasta el día de hoy.

5. Velvet Underground

Brian Eno ha dicho que no muchas personas compraron los álbumes de Velvet cuando fueron lanzados originalmente, pero todos los que formaron formaron una banda. Después de desafiar valientemente a los enemigos gemelos de la indiferencia y la hostilidad abierta en su vida, Velvet Underground ha sido adoptado como una de las mejores y más importantes bandas en la historia del rock..

The Velvet Underground se formó en 1964 cuando el cantante / guitarrista / compositor Lou Reed y el multiinstrumentista galés John Cale se conocieron y decidieron formar una banda de rock (eventualmente con Sterling Morrison en bajo y guitarra y Maureen “Mo” Tucker en percusión), recurriendo a su interés mutuo en R & B, el jazz de forma libre de Albert Ayler y Ornette Coleman y el minimalismo vanguardista de John Cage y La Monte Young.

La banda buscó no solo entretener, sino también desafiar, para demostrar que el rock ‘n’ roll podría volver a ser peligroso. Gravitaron hacia Andy Warhol, que trajo a la actriz / modelo / cantante austríaca Nico al redil, y se convirtieron en parte de la organización multimedia de Warhol, Factory, y en la escena de arte bohemio de Village..

En vivo, los Velvets eran una amalgama extraña de R & B vigoroso, canciones bastante pop, atascos de ruido experimentales extendidos y el arte interpretativo de Exploding Plastic Inevitable de Warhol. La banda original duró solo dos álbumes, “The Velvet Underground and Nico” y “White Light, White Heat” (ambos de 1967), el primero de los cuales se encuentra entre los mejores álbumes de rock..

“Waiting for the Man”, con un rock groove suave, sigue a un personaje de Reed en busca de drogas. Reed está casi aturdido por el desprecio a sí mismo ya que su necesidad de drogas arrastra su estatus social por debajo del de los habitantes del ghetto, y ese desafiante autodesprecio define el estado de Velvet como la primera banda posmoderna y el progenitor de toda la nueva onda punk. movimiento.

“Heroína” lleva la aventura externa de obtener drogas al ámbito interno y captura la seducción de la adicción con un poder, belleza y gracia que lo hace aún más aterrador. “Venus in Furs”, un examen sin parpadeo de una relación de S & M, transmite un aburrimiento de la densidad de un agujero casi negro. “All Tomorrow ”s Parties” es el mejor momento de Nico, un imponente monumento auditivo al glamour efímero, con el pulso del terror y la desestabilizadora guitarra frenética de Reed.

También en el disco hay dos joyas más bonitas, Reed / Nico cantado, “I’ll Be Your Mirror” y “Femme Fatale”, y la canción más hermosa de la carrera de Reed, el sobrenatural “Sunday Morning”, que captura la esperanza y arrepentimiento de un domingo que comienza con temor y delicadeza.

Los tres álbumes restantes del grupo produjeron varias gemas más en “White Light, White Heat”, “What Goes On”, “Beginning to See the Light”, “Pale Blue Eyes”, “Sweet Jane” y “Rock and Roll”. todos los cuales y más se pueden encontrar en el cuadro muy recomendado “Pelar despacio y ver”.

6. Led Zeppelin

Durante una carrera de 10 años y nueve álbumes desde 1969 hasta 1979, Led Zeppelin fue el grupo de rock más popular en el mundo, vendiendo más de 50 millones de discos en los Estados Unidos (más de 200 millones en todo el mundo), desarrollando el blues, basado en el arquetipo del cantante trío-plus-lead en muchas direcciones, incluyendo el místico folk-rock inglés, el exotica influenciado por Oriente Medio, el pop peculiar y todo tipo de pesadez. También llegaron a simbolizar los excesos dionisíacos del estilo de vida de la roca.

Su ubicuidad en los formatos de rock clásico y los excesos antes mencionados han llevado a muchos a descartar a la banda como sobrevalorada y sintomática del declive del rock ‘n’ roll en los ’70. La colección de súper valores “Primeros días y últimos días: lo mejor de Vols. 1 y 2 “(dos discos) prueban que, en todo caso, la banda musical la grandeza todavía es poco apreciada, debido a los resentimientos mencionados anteriormente y al hecho de que la banda no tuvo mayor impacto cultural, no significaron mucho para nada..

Ambos estaban equivocados: “Led Zeppelin 1” (“Good Times Bad Times”, “Nena, voy a dejarlo”, “Aturdido y confundido”, “Desglose de la comunicación”), “Led Zeppelin 2” (“Whole Lotta”). Love “,” The Lemon Song “,” Hearbreaker “,” Living Loving Maid “,” Ramble On “) y” Led Zeppelin 4 “(también conocido como” Zoso “, con” Black Dog “,” Rock and Roll “,” Cuando The Levee Breaks, “Stairway to Heaven”) están entre los mejores álbumes de rock.

Las voces de Plant alcanzaron niveles de éxtasis desquiciado, tal vez emparejados solo por Little Richard en letras típicamente impregnadas de sexualidad o derivadas del mito anglosajón y / o del ocultismo. Bonham (cuya muerte accidental en 1980 disolvió la banda) golpeó sus tambores implacablemente como un elefante ágil bailando por la casa. El bajo de Jones y los teclados estratégicos pegaron juntos los elementos dispares. Y Page, que hizo la mayor parte de la escritura y la producción, interpretó algunas de las guitarras más fundamentales y memorables de la historia del rock, desde la más pesada hasta la más delicada selección de dedos acústicos..

Demostrando la vasta y perdurable popularidad de la banda, el set de dos DVD en vivo de la banda “Led Zeppelin”, lanzado en mayo pasado, ha vendido más de 600,000 copias.

7. Ramones

Los Ramones – Dee Dee (bajo, voz), Joey (voz), Johnny (guitarra), Tommy (batería, más tarde reemplazado por Marky) – fueron el Banda de punk estadounidense, una fuente interminable de ruido, energía, actitud, humor y (a veces olvidado) grandes canciones, que ayudaron a reinventar el rock ‘n’ roll cuando más lo necesitaba a mediados de los ’70.

Trabajando para indie Sire Records a mediados de los 70, el productor / buscador de talentos Craig Leon se involucró con la percutida escena de la música underground neoyorquina. Una noche de verano de 1975 fue a CBGB’s y vio dos bandas, los Talking Heads y los Ramones..

“Fui a ese espectáculo y había literalmente cuatro personas en la audiencia además de mí, pero las bandas fueron fenomenales”, dijo León. “Mucha gente ni siquiera pensaba que los Ramones podían hacer un disco. Hubo semanas de preproducción en un nivel muy básico: como cuando las canciones comenzaron y cuándo terminaron. Sus primeros sets fueron una canción larga hasta que se agotaron o lucharon. Podrías verlo como una cosa de arte de performance, donde tenías una cápsula concisa de 17 minutos de todo lo que sabías sobre el rock ‘n’ roll, o podrías verlo como 22 pequeñas canciones “, dijo. Fueron por las canciones.

El primer álbum de los Ramones (1976) es un icono minimalista rugiente, el primer disco punk americano real. Las capas y las capas acumuladas de hinchazón y brillo fueron eliminadas para revelar el rock ‘n’ roll en su forma más básica y vital en canciones como “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” y “Let’s Dance”. El sonido de los Ramones estaba ardiendo música de surf de principios de los 60 interpretada a través de la distorsión saturada de Blue Cheer y Black Sabbath. Sin embargo, según León, los Ramones se veían a sí mismos como una banda de pop. “En nuestra ingenuidad, pensamos que iban a ser más grandes que los Beatles. Incluso se habían nombrado a sí mismos después del nombre inicial de Paul McCartney, ‘Paul Ramone’ “, dijo Leon..

Aunque la mayoría coincide en que el sorprendente primer álbum de los Ramones, que atravesó la competencia como un 747 en un concurso de aviones de papel, es su álbum más importante, no es mi favorito. Mi favorito es uno de los más excéntricos de la banda, “End of the Century”, producido por el enigmático icono pop (y ahora sospechoso de asesinato) Phil Spector, y el álbum que explícitamente reconoció por primera vez el “pop punk”..

Grabado en 1979, el álbum hizo explícita la conexión entre el pop-rock de principios de los 60 y la psique de la banda de punk, y se mantiene como un clásico de Ramones y Spector: las idiosincrasias de Spector nunca desbordan el rugido de “Chinese Rock” o “Rock ‘N’ Roll High School “, y el Spectorish” Do You Remember Rock ‘N’ Roll Radio “con los toques retro adecuados. La nueva versión de la banda de “Baby I Love You” de Ronette es tan conmovedora como divertida, y arrojó una nueva luz sobre el cantante Joey Ramone (quien murió en 2002 después de una larga pelea con cáncer, estoy seguro que echo de menos a ese tipo).

El juego de dos CD “Hey! ¡Ho! Let’s Go “es una descripción espectacular de la banda, con todas las canciones anteriores (excepto” Baby I Love You “) más” California Sun “,” Sheena es punk rocker “,” Cretin Hop “,” Rockaway Beach “, “Teenage Lobotomy”, “I Wanna Be Sedated”, “She’s the One”, “She’s a Sensation”, “We Want the Airwaves” y muchos, muchos más.

8. Pink Floyd

Pink Floyd es la banda de platino más excéntrica y experimental de la era del álbum, creando esculturas de sonido cinematográficas excepcionales como “Meddle”, “Lado oscuro de la luna”, “Wish You Were Here” y el ápice popular y la muerte conceptual de la banda knell, “The Wall”.

Comenzando a mediados de los 60 como banda de hard rock basada en R & B, la banda (llamada así por los hombres de rosa de Piedmont Pink Anderson y Floyd Council) – Syd Barrett en guitarra y voz, Roger Waters en bajo y voz, Richard Wright en teclados, y Nick Mason en la batería: mutaron rápidamente en una extraña combinación de psychedelia británica (“See Emily Play”, “Arnold Layne”) y rock espacial instrumental de larga duración (“Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”), inspirada en Barrett uso liberal de LSD: un jardín inglés de Cambridge transportado a Marte.

El guitarrista David Gilmour se unió al grupo como seguro contra la volatilidad de Barrett en el 68, pero cuando Barrett se vio obligado a no ser confiable, su “banda de respaldo” se convirtió en un cuarteto democrático que compartía tareas de escritura, canto y liderazgo. A medida que Floyd se adentraba más en las exploraciones sinfónicas experimentales en el frío sónico del espacio (lo más alejado posible de los orígenes del rock ‘n’ roll en cuanto a las hormonas adolescentes norteamericanas), se hicieron más populares.

“Meddle”, lanzado en 1971, fue el álbum de transición de la banda desde los años 60 influenciados por Barrett hasta los Waters-Gilmour Floyd de los 70, resaltado por un pilar de la grandeza del espacio rock “Echoes”, más de 23 minutos de meandros creativos congraciadas voces de armonía de Waters y Gilmour, un órgano burbujeante de Wright, atmosférica hazaña del incomparable Gilmour, pings de otro mundo y ruidos de ballenas a la deriva. Aquí puedes escuchar las fértiles semillas del “Lado Oscuro de la Luna”.

“Dark Side”, lanzado en 1973, se mantuvo en la lista de éxitos durante 741 semanas, una obra maestra del estudio creativo y una exploración notablemente unificada del tiempo, la codicia y la existencia: el álbum es un rito de paso indispensable. “Wish You Were Here” es una visión excepcional, reflexiva, ambiental y de larga duración de la desintegración de Barrett mezclada con la agria visión del mundo de Roger Waters, y en particular, la industria de la música.

Esa oscura visión de la vida encontró su máxima expresión en “The Wall”, que usó su título para representar el aislamiento literal y metafórico. En elaboradas presentaciones teatrales de la obra, se construyó una pared físicamente a lo largo de la representación, cuyo colapso al final de cada espectáculo presagiaba claramente el destino del grupo. Waters se hizo solista a principios de los 80 y el grupo se ha reunido periódicamente sin él, pero ni el grupo ni él han sido el mismo desde entonces..

9. Bob Marley y los Wailers

El más grande cantante, compositor y figura cultural en la historia jamaicana, Bob Marley trajo el mensaje justo y las “vibraciones positivas” de la música reggae al mundo, y es la única figura imponente de la era del rock no de Estados Unidos o del Reino Unido..

Marley nació en la Parroquia rural de St. Ann en 1945, en un padre blanco de mediana edad y una madre negra de adolescente, y se fue de su casa a la caótica barriada de Kingston, en Trench Town, a los 14 años para dedicarse a la música. Allí se hizo amigo y formó un trío vocal con Peter Tosh y Bunny Wailer. Se llamaron a sí mismos los Wailers Wailers, más tarde acortados a los Wailers. Trabajaron dentro de los estilos musicales predominantes de la época, primero el boyante ska up-tempo, luego el rock sinuoso más lento, que luego dio paso al reggae..

The Wailers grabó con los legendarios productores Coxone Dodd y Lee “Scratch” Perry en los años 60, grabando grandes canciones como “Simmer Down”, la versión original de “One Love”, “Soul Rebel”, “Small Axe” y “Duppy Conqueror”. , “Llegando a ser muy popular en Jamaica. Pero fue cuando los Wailers firmaron con Island Records de Chris Blackwell en 1972 que su alcance se volvió global.

Los primeros álbumes de The Wailers para Island, “Catch a Fire” y “Burnin ‘” (ambos de 1973), se convirtieron en clásicos instantáneos e introdujeron “Stir it Up”, “I Shot the Sheriff” y “Get Up Stand Up” de Tosh. al mundo. Tosh y Wailer luego se fueron para seguir carreras en solitario y los Wailers se convirtieron en el vehículo de expresión de Marley. Hasta su trágica muerte por cáncer a la edad de 36 años en 1981, Marley generaba himnos tras himnos y traía esperanza y orgullo al Tercer Mundo, además de tocar corazones y mover pies en Norteamérica y Europa..

Su colección de hits que cubre los años de la isla, “Legend”, con ventas de más de 10 millones de copias en los Estados Unidos, es el álbum de reggae más popular y duradero de todos los tiempos. Entre sus delicias están “No Woman No Cry”, “Three Little Birds”, “One Love”, “Buffalo Soldier”, “Waiting In Vain” y “Jamming”.

10. Sly y la piedra familiar

Sly and the Family Stone hizo la música más animada y optimista de finales de los 60 y principios de los 70, uniendo y transformando la música en blanco y negro en un momento de gran esperanza y profunda traición en Estados Unidos. El líder Sly Stone personificó ambos extremos, como el más fiel de los creyentes y una víctima de su propia desilusión..

Fue en el segundo LP de la banda, “Dance To The Music” (’68) que realmente se incendiaron. La canción del título fue una representación perfecta del sonido familiar en vivo, una vibrante amalgama de positividad, fuzz bass, doo-wop, guitarra rock y cuernos, reunidos en el contexto de una revista R & B tradicional..

El verano del ’69 encontró a Sly and the Family Stone llegando a las alturas de la popularidad y la aclamación de la crítica en las alas de su fenomenal álbum “Stand!” Que incluía el primer éxito No. 1 de la banda, “Everyday People”, una canción que definió los ideales sociales de la banda en la forma en que “Dance” definió sus pensamientos musicales. El encanto del estribillo de la canción infantil corta a través de siglos de prejuicios culturales y nos recuerda la simple verdad de que “tenemos que vivir juntos” o morir por separado. También en el álbum fue el orgásmico “I Want to Take You Higher”.

Ese mismo verano, Sly y Family Stone tomaron por asalto el escenario de Woodstock con atuendos de arcoiris, destellos de lentejuelas y electricidad y se llevaron a las superestrellas. Si los asistentes no fueron lo suficientemente altos, cuando Sly gritó “I Want to Take You Higher” al final del set de la banda, muchos sienten que el festival – y una era – alcanzaron su pico frenético.

Desafortunadamente, Sly tomó su obsesión por la “alteza” literalmente y llegó a confundir la droga fácil con las más altas dosis de música, amor y la alegría de la existencia. Con las drogas llegó la creciente paranoia y la autoabsorción que se expresaron primero y mejor en “There’s A Riot Goin ‘On” de 1971, donde lasitud reemplazó a spunk pero el increíble talento de Sly todavía brillaba a través de la oscuridad. El baterista Errico se fue durante la producción y Sly dañó aún más la sensación familiar tocando la mayoría de los instrumentos del álbum, aislado en un capullo de cocaína. Irónicamente, “Riot” fue el único álbum n. ° 1 de la “banda”. El sueño y la realidad se desmoronaron, pero la música permanece.

¿Cómo? Por qué?

Mientras hablo con la voz estruendosa de la verdad, esta lista de “las 10 mejores bandas de rock” nunca“No es una designación puramente arbitraria extraída de mis regiones inferiores”. Primero, los ganadores tenían que ser una banda real, lo que eliminaba a la mayoría de los primeros rock ‘n’ roll de la década de los 50 como Elvis y Chuck Berry, que eran esencialmente artistas solistas con bandas de respaldo, otras figuras imponentes como Bob Dylan, y grupos vocales. Las bandas tenían que estar dentro del círculo más grande de la música “rock” y generar la mayoría o la totalidad de su propio material. Tomé en cuenta la influencia musical y cultural, la popularidad en el tiempo (poder de permanencia), y el factor “Es una vida maravillosa”: ¿Qué daño se haría si la banda fuera eliminada de la historia del rock? – cuanto mayor es el daño, mayor es la banda. La eliminación de cualquiera de los 10 anteriores haría que la historia del rock sea irreconocible.

Eric Olsen es el editor de Blogcritics.org y colaborador habitual de MSNBC.com.

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